Por Genaro Villalaz García
La cultura panameña despide a una de sus figuras más activas, lúcidas y decisivas de los últimos 60 años. Con el fallecimiento de Constancia “Coqui” Calderón de Augrain finales del año pasado no solo concluye una trayectoria artística excepcional, sino que se cierra un capítulo fundamental en la construcción del arte contemporáneo en Panamá, tanto desde la creación artística como desde la gestión cultural.
Hablar de Coqui Calderón es hablar de una vida que estuvo consagrada al arte entendido no como adorno, sino como búsqueda intelectual, reflexión crítica y responsabilidad histórica. Su legado es doble e inseparable: por un lado, una obra plástica de gran potencia visual y profundidad simbólica; por otro, una labor institucional sostenida que ayudó a edificar buena parte de la plataforma cultural que hoy sostiene la escena artística panameña.
Una formación consistente con una mirada cosmopolita
Nacida en la ciudad de Panamá, hija de padre panameño y madre estadounidense, Calderón creció en un entorno marcado por el cruce cultural, experiencia que definió tempranamente su sensibilidad. En 1959 culminó sus estudios universitarios en Rosemont College, Pennsylvania, donde obtuvo un Bachelor of Arts en historia del arte e historia, formación que marcaría su rigor analítico y su comprensión estructural de los procesos artísticos.
Su aprendizaje continuó en París, donde asistió a La Grande Chaumière, la Académie Julian y La Sorbonne, espacios decisivos para su contacto directo con la pintura moderna europea. Posteriormente, entre 1961 y 1967, residió en Nueva York, ciudad clave en su evolución estética, al situarla frente al expresionismo abstracto, la abstracción geométrica, el arte óptico y el emergente arte pop, corrientes que dialogarían activamente en su obra.
A su regreso a Panamá fue pupila del maestro Alberto Dutary, quien no solo la orientó artísticamente, sino que le abrió las puertas de su taller, propiciando un espacio de intercambio con artistas como Antonio Alvarado. Este período consolidó en Calderón una ética de taller basada en la disciplina, el diálogo y la investigación permanente.
Una obra en constante transformación
La obra de Coqui Calderón responde a un proceso continuo de transformación. Sus primeras pinturas, de fuerte impulso expresionista, evolucionaron hacia una abstracción lírica marcada por signos geométricos, círculos entrelazados y paletas refinadas, como las piezas exhibidas en la Organización de Estados Americanos (OEA) en Washington, D.C.
Durante su etapa neoyorquina, la artista incorporó colores planos, intensos y vibrantes, organizados en yuxtaposiciones audaces. Estas composiciones dialogaron con la abstracción geométrica y el pop art, incorporando figuras humanas, manos, rostros y objetos cotidianos —como teléfonos— sin abandonar nunca una dimensión crítica y reflexiva.
Tras su regreso definitivo a Panamá, poco antes del año 1968, su pintura adquirió un carácter más sutil, estructurado y meditativo. En los años setenta predominó el rigor compositivo y el diseño reiterativo; mientras que en los años ochenta, durante su residencia en Miami, desarrolló paisajes y bodegones en pastel y acrílico, acompañados de bocetos minuciosos que evidenciaban su método, precisión técnica y pensamiento visual.
Arte como testimonio social
Entre 1985 y 1990, la obra de Calderón asumió una dimensión abiertamente política. Series como “Protesta ’85” y “Vientos de Furia” constituyen uno de los testimonios visuales más contundentes sobre la crisis social y las manifestaciones callejeras durante ese período. Aquí, el color deja de ser decorativo para manifestar tensión, gesto y denuncia, transformando su arte en una especie de memoria colectiva.
A partir de los años noventa, ya de regreso en Panamá, su trabajo se renovó en torno a la relación entre el ser humano y la naturaleza. La experiencia de la pérdida personal abrió una dimensión introspectiva que derivó en una reflexión profunda sobre la fragilidad humana y la vulnerabilidad del entorno.
En sus últimas etapas, la figura femenina emerge integrada al paisaje tropical: lianas, fangales y vegetación húmeda se entrelazan con cuerpos erguidos, donde la mujer aparece como símbolo de resistencia, verticalidad y equilibrio. Es una pintura más serena y contemplativa, en la que la naturaleza deja de ser fondo para convertirse en sujeto.
Gestora cultural y arquitecta institucional
Paralela a su producción artística, Coqui Calderón desarrolló una labor institucional sin precedentes. Fue figura clave en el Instituto Panameño de Arte (Panarte) y, de manera decisiva, en la creación y consolidación del Museo de Arte Contemporáneo de Panamá (MAC Panamá), institución de la que fue alma activa desde su fundación y a la que dedicó más de seis décadas de trabajo, llegando a presidir su junta directiva.
En 1979, junto a Alicia Viteri, fundó el Taller de Artes Gráficas, proyecto fundamental para la revitalización del grabado en Panamá y antecedente directo del actual Laboratorio Gráfico Julio Zachrisson. Para Calderón, el arte era un acto colectivo, pedagógico y transformador, convicción que marcó a generaciones de artistas.
Su compromiso fue reconocido con numerosos homenajes, entre ellos la Orden de Vasco Núñez de Balboa, otorgada por el Estado panameño en reconocimiento a su aporte sostenido a la cultura nacional.
Un legado que permanece
Coqui Calderón realizó más de cinco exposiciones individuales y participó en 42 muestras colectivas en el MAC Panamá, además de una extensa presencia en exposiciones nacionales e internacionales. Su obra forma parte de importantes colecciones y su pensamiento ha influido decisivamente en la manera de concebir el arte contemporáneo en el país.
Hoy, su ausencia deja un silencio profundo. Pero su legado permanece vivo en sus pinturas, en las instituciones que ayudó a construir y en la conciencia cultural que defendió con coherencia, inteligencia y elegancia.
Coqui Calderón nos recuerda que el arte verdadero no es ornamento ni evasión: es memoria, conciencia y una de las formas más esenciales de la libertad.